LONDRES – Artista David Hockneycujas pinturas de piscinas brilhando sob o sol de Los Angeles se tornaram ícones da arte do século 20, morreu quinta-feira, disse seu assessor. Ele tinha 88 anos.
Hockney nasceu no norte da Inglaterra, mas viveu grande parte de sua vida no sul da Califórnia, tornando as vistas suburbanas ensolaradas um motivo importante.
Mais tarde, regressou à Europa, encontrando inspiração renovada nas colinas arborizadas do seu condado natal, Yorkshire, e nos campos e árvores da região francesa da Normandia. Ele se tornou um dos artistas mais apreciados do Reino Unido, e suas obras foram vendidas por preços recordes em leilões.
O historiador Simon Schama disse que “a popularidade e durabilidade da arte de David Hockney, através de todas as suas mudanças de forma e experimentos incansavelmente inventivos, não são realmente nenhum mistério”.
“Seu trabalho é admirado – amado não é uma palavra muito forte – pelos milhões que, em todo o mundo, se aglomeram para vê-lo porque pressupõe uma expectativa de prazer”, escreveu Schama em um ensaio que acompanhou uma exposição de Hockney em 2025, em Paris.
A assessora de imprensa de Hockney, Erica Bolton, diz que ele morreu poucas semanas antes de completar 89 anos.
Com seus óculos redondos e cabelos loiros descoloridos, sua marca registrada, Hockney period uma figura bem conhecida no cenário artístico britânico e americano da década de 1960, mesmo antes de completar 30 anos. Suas pinturas eram igualmente distintas, muitas delas criando um mundo onírico de luz padronizada refletida na água e nas janelas, e formas humanas renderizadas em formas achatadas e simplificadas em tinta acrílica fosca.
“Estou animado todos os dias”, disse ele ao Los Angeles Occasions em 1979. “Londres tem muitas partes tristes, mas nunca encontro nada triste em Los Angeles.”
Hockney nasceu em 9 de julho de 1937, em Bradford, uma grande cidade industrial cujo principal produto de exportação eram os têxteis de lã. Ele passou suas primeiras duas décadas lá antes de ir para o Royal School of Artwork de Londres. Ele causou impacto antes mesmo de se formar, e o negociante de arte John Kasmin o levou para seu grupo de artistas em 1961.
Suas influências artísticas variaram amplamente, desde retratistas renascentistas ao pintor paisagista inglês do século XIX JMW Turner, às experiências de Pablo Picasso no cubismo e à arte pop americana do século XX.
Visitando os Estados Unidos em 1963-64, Hockney ganhou notoriedade com sua atualização sobre “A Rake’s Progress”, a série de pinturas do artista do século XVIII William Hogarth que conta a história das aventuras de um canalha rico e sua eventual queda. O New York Occasions disse em 1964 que Hockney “atualiza Hogarth com força e fornece um bom exemplo de como os artistas mais jovens gostam de casar texto e imagem com benefício para ambos”.
Ele compartilhava com outros artistas pop o interesse pela superfície polida da vida moderna. E, como Andy Warhol com suas caixas de Brillo e latas de sopa Campbell’s, Hockney ocasionalmente incorporava rótulos publicitários, como uma caixa de chá British Typhoo usada em sua “Pintura de chá em estilo ilusionista”, de 1961.
Ele disse ao The New York Occasions em 1964 que gostava da florescente cena pop artwork de Nova York, mas não tinha certeza se fazia parte dela.
“Sou apenas um artista comum”, disse ele. “Eu admiro o pop americano – na verdade, parece que tudo o que há de novo e very important na Inglaterra hoje em dia vem dos EUA”. No entanto, ele ainda se considerava “um artista na tradição inglesa”, disse ele em 1995.
Até mesmo a sua mudança para a Califórnia teve um precedente histórico, observou ele, uma vez que gerações anteriores de artistas ingleses procuraram a luz brilhante da Itália.
Como um homem assumidamente homosexual, Hockney explorou temas eróticos, dando aos corpos masculinos jovens o mesmo escrutínio terno que os artistas vinham dando ao nu feminino há séculos. Amigos e amantes frequentemente posavam como modelos, e algumas imagens eram baseadas em fotos de revistas masculinas de fisiculturismo.
Os primeiros trabalhos como “We Two Boys Collectively Clinging” e “Two Males in a Bathe” celebravam os relacionamentos gays quando a homossexualidade ainda period ilegal na Grã-Bretanha.
No início de sua carreira, dois de seus desenhos foram comprados para o Museu de Arte Moderna de Nova York.
“No momento em que vendi fotos para ganhar a vida, senti-me rico. Tenho sido rico desde então”, disse ele à Related Press em 1995. “Eu não tinha muito dinheiro, mas fiz o que queria. … Você é um homem rico se fizer as coisas que deseja.”
Essa liberdade trouxe aclamação e riqueza a Hockney, com suas obras alcançando somas recordes. Em 2018, sua pintura de 1972 “Retrato de um Artista (Piscina com Duas Figuras)” vendido em um leilão da Christie’s por US$ 90,3 milhões, na época um recorde para um artista vivo. Em fevereiro de 2020 mais uma pintura de piscina, “O respingo,” de 1966, vendido na Sotheby’s por 23,1 milhões de libras (30 milhões de dólares).
Embora as pinturas de piscinas fossem uma marca registrada de Hockney, ele também pintou literalmente uma piscina quando decorou o fundo da piscina no histórico Hollywood Roosevelt Lodge, em Los Angeles.
Embora muitas de suas pinturas mais conhecidas tivessem cenas americanas, ele também abordou temas britânicos. Ele imortalizou seus pais em vários retratos. “Sr. e Sra. Clark e Percy”, um retrato duplo de 1971 de dois de seus amigos ingleses e seu gato, ficou em 5º lugar em uma pesquisa on-line de 2005 da BBC Radio-Nationwide Gallery (Londres) sobre as maiores pinturas da Grã-Bretanha. Foi a única obra de um pintor vivo entre os 10 primeiros.
Como muitos artistas tradicionais, ele considerava o desenho uma habilidade elementary e lamentava que não fosse ensinado com tanto rigor como costumava ser.
“Os seres humanos são as coisas mais interessantes que vemos, por isso são os mais difíceis de desenhar”, disse ele numa entrevista à AP em 1996, acrescentando que os melhores desenhos são feitos quando há empatia entre o artista e o sujeito.
Ele não se limitou a desenhar e pintar. Ele contribuiu com figurinos e cenários para teatro e ópera, incluindo uma célebre produção de “Tristão e Isolda”, encenada pela primeira vez em 1987 na Ópera de Los Angeles.
Sempre inovador, Hockney abraçou o desenho, a pintura, a gravura, a colagem de fotos e o vídeo numa carreira de sete décadas.
Quando começou a fotografar, ele fundiu gêneros, reunindo fotos individuais em colagens elaboradas como “Pearblossom Freeway, 11-18 de abril de 1986”, construídas a partir de vistas individuais de um cruzamento de uma rodovia deserta.
“Meus amigos fotógrafos disseram que period uma pintura”, disse Hockney à AP em 2001. “Eu disse que period uma fotografia; usei uma câmera”.
A percepção que obteve com seu trabalho fotográfico o levou a pesquisar e escrever um livro em 2001, “Conhecimento Secreto: Redescobrindo as Técnicas Perdidas dos Antigos Mestres”. Ele argumentou que, ao longo dos séculos, os artistas usaram lentes e outros dispositivos ópticos para auxiliá-los no desenho com muito mais frequência do que a maioria dos historiadores acredita.
Mais tarde ele começou a desenhar em iPadsque se tornou sua ferramenta favorita.
No início dos anos 2000, ele olhou novamente para os campos e florestas de Yorkshire em uma série de pinturas de paisagens exuberantes que combinavam cores ousadas com atenção minuciosa à textura da neve em uma encosta ou a uma flor em uma sebe de espinheiro. Eles apareceram em uma exposição de 2017 na Tate Britain, em Londres, que foi visitada por meio milhão de pessoas e transferida para o Centro Pompidou, em Paris, e para o Metropolitan Museum, em Nova York.
Hockney usou a paisagem inglesa como inspiração em seu projeto de um vitral na Abadia de Westminster para celebrar o longo reinado da Rainha Elizabeth II. Concluído em 2018, a janela da rainha retrata uma paisagem de espinheiros floridos em tons de azul, verde, amarelo, laranja, rosa e vermelho.
Nessa época, Hockney period amplamente considerado o maior artista vivo da Grã-Bretanha e um tesouro nacional. Em 1997, a rainha nomeou-o Companheiro de Honra, um prémio limitado a 65 pessoas “de distinção”.
Em 2019, ele se mudou para a Normandia, na França, onde durante o bloqueio do coronavírus de 2020, ele produziu alegres desenhos da primavera no iPad para seus amigos. A sua mensagem — “Lembrem-se de que não podem cancelar a primavera” — foi estampada em néon na Fondation Louis Vuitton, em Paris, quando esta acolheu uma enorme exposição em Hockney, inaugurada em abril de 2025.
A exposição variou desde a primeira pintura que ele vendeu – um retrato de seu pai de 1955 – passando por piscinas de Los Angeles até florestas de Yorkshire, retratos de amigos, cenários para ópera e dezenas de imagens da exuberante chegada da primavera na Normandia.
O curador de arte Norman Rosenthal, que ajudou a organizar a exposição em Paris, chamou Hockney de “o Picasso dos nossos tempos”.
“Quando digo isso, as pessoas riem de mim, pois Picasso foi o artista arquetípico do século 20”, disse Rosenthal ao jornal Unbiased. “Mas David Hockney também é um artista incrivelmente fashionable cujo trabalho muda a forma como vemos as coisas.”
Fumante impenitente que protestava contra as regras antitabagismo do governo, Hockney queixou-se quando um cartaz da exposição de 2025 foi banido do metro de Paris porque o mostrava a segurar um cigarro.
Hockney teve um pequeno derrame em 2012 e foi cada vez mais surdo nos últimos anos – algo que ele disse ter melhorado sua percepção visible.
“Se você perde um sentido, você ganha outros sentidos, e sinto que poderia ver o espaço com mais clareza”, disse ele à AP em 2017.
Ele nunca parou de trabalhar.
“É o meu trabalho que me mantém jovem”, disse Hockney ao jornal Solar em 2017. “Sou pintor profissional há 60 anos. Sessenta anos levantando-me todos os dias e fazendo exatamente o que quero fazer.”
