Angaara expõe exclusões sociais sob o orgulho cultural na costa de Karnataka

Como parte do programa Girish Karnad Fellowship 2026, a dramaturga Usha Kattemane Angaaradirigido por Abhinav Grover, foi apresentado recentemente no Status Heart for Performing Arts em Bengaluru como parte do Chiguru & Kusumale Theatre Competition organizado pela Samagata Basis e Bhasha Centre. Ao combinar tradições performáticas locais, abordagens dramatúrgicas multilíngues e crítica sócio-política, o Teatro Punaha de Udupi examina as consequências de longo prazo do sistema de castas na costa de Karnataka através de Angaara.

“Escrever a partir de um espaço seguro é o caminho mais fácil. Mas gosto de desafios. Eles mantêm um escritor vivo. É por isso que tentei criar uma peça que refletisse a vida contemporânea de Tulunadu”, diz a nota do dramaturgo.

Kattemane explora a vida religiosa e agrária da comunidade marginalizada Koraga de Tulunadu. A peça usa Kambala, o ritual/esporte de corrida de búfalos da costa de Karnataka, como pano de fundo dramático. O dramaturgo cria habilmente uma narrativa que mostra as contradições da tradição e da modernidade, das hegemonias de castas e das exclusões sociais. Não retrata a discriminação de castas como uma relíquia da história; pelo contrário, ilustra como pode sobreviver mesmo sob a retórica do orgulho cultural, do progresso e das ambições políticas.

Diretor, Abhinav utiliza o espaço do palco de forma eficaz. As divisórias de tecido criam áreas separadas no palco representando diferentes mundos sociais. O design visible evoca métodos teatrais tradicionais e funciona simultaneamente como uma metáfora para a divisão social. A peça usa idiomas como Tulu, Kannada, Konkani e Inglês, falados em Tulunadu multilíngue e contemporâneo. A linguagem serve como um diálogo entre os personagens.

Uma cena da peça Angaara. | Crédito da foto: Arranjo Especial

A peça começa com o episódio Ekalavya-Dronacharya, desenhado por Gurudakshina Yakshagana de Sanjeeva Suvarna, uma estrutura subjacente para a separação de castas, que é retratada ao longo da peça. Notavelmente, Ekalavya é interpretado por uma mulher; assim, são introduzidas questões de género, bem como de acesso. A seção Yakshagana não é um breve prólogo simbólico, mas faz uma transição perfeita para a peça principal. Assim, existe um método teatral eficaz que liga a mitologia às realidades sociais.

Uma professora de escola pública da comunidade Koraga, Angaara, exemplifica uma geração presa entre aspectos conflitantes da educação e do racionalismo e das tradições herdadas. O ceticismo de Angaara em relação à adoração daiva o coloca em conflito com sua família. Baliga retrata Angaara, não como um reformista, mas como um indivíduo em conflito que tenta reconciliar múltiplos mundos. Paralelamente à história de Angaara está a de Nethra, uma mulher enlutada que voltou ao natal. O interesse de Nethra em comprar e gerir búfalos de corrida em Kambala desafia as expectativas de género em termos de propriedade, trabalho e participação pública.

Um dos personagens com mais camadas da produção é Deyyu, mãe de Angaara. Em um flashback carregado de emoção, ela invoca poderes espirituais por meio de cantos para proteger a vida de uma criança doente, Angaara. Ela funciona como intermediária entre os humanos e os seres divinos, ocupando um papel de autoridade que levanta questões sobre a agência feminina dentro de sistemas ritualísticos geralmente considerados patriarcais.

Angaara faz a sua acusação mais contundente durante as celebrações da Kambala. Uma bandeira vermelha com cara de touro é baixada prematuramente, provocando pânico e recurso urgente a remédios ritualísticos. Neste momento, Angaara revela a exploração histórica da comunidade Koraga, relembrando casos em que foram alegadamente forçados a correr diante dos búfalos em corrida para garantir que o campo estava livre de pregos e espinhos. A comparação entre humanos e búfalos é intencionalmente inquietante, levando os espectadores a reconhecer histórias de desumanização normalmente ausentes de histórias que celebram culturas regionais.

Angaara nem implica que a opressão de castas pertença à história nem fornece modelos simplificados para o progresso. Em vez disso, coloca questões difíceis sobre como o preconceito persiste através de instituições, rituais, relacionamentos e interesses políticos. Com performances poderosas, roteiros multifacetados e uma síntese astuta das tradições performáticas regionais, Angaara substancia o potencial contínuo do teatro para desafiar a memória coletiva. O “fogo” invocado no seu título não é simplesmente destrutivo; é uma brasa insistente que indica histórias que nunca se apagam.