Para aquellos ansiosos por mantenerse al día con lo mejor del drama contemporáneo, tengo buenas noticias: se avecina un gran trabajo.
Las dos mejores obras que vi el año pasado, “Liberation” de Bess Wohl (2026) y “Goal” de Branden Jacobs-Jenkins (2025), ganaron el premio Pulitzer de drama y el premio Tony a la mejor obra, y son parte de la próxima temporada imperdible del Geffen Playhouse. Y Heart Theatre Group anunció que “John Proctor Is the Villain”, la fascinante respuesta moderna de Kimberly Belflower a The Crucible de Arthur Miller, tiene un lugar en el Mark Taper Discussion board la próxima primavera.
Esta temporada ha presentado varios dramas recientes ganadores del Premio Pulitzer, incluido “Fairview” de Jackie Sibblies Drury (en una producción de Rogue Machine Theatre en Matrix), “English” de Sanaz Toossi (en Wallis) y “Main Belief” de Eboni Sales space (en el Mark Taper Discussion board).
En un momento en el que el drama ha llegado a depender de los protagonistas famosos y del revuelo comercial, esta generosidad de excelencia discreta es alentadora. Pero también me ha dado hambre de más.
Siempre buscando nuevas obras, he compilado una lista de obras que leí para ser consideradas para premios o que vi en otros lugares durante el último año que merecen producciones de Los Ángeles. Recomiendo estos guiones a directores artísticos y gestores literarios que todavía luchan por la buena batalla. Inteligentes, entretenidas y sorprendentes, ofrecen la seguridad de que la dramaturgia aventurera no sólo está viva y coleando, sino que se está expandiendo hacia territorios inexplorados.
Joanna Gleason y Andrew Barth Feldman en la producción del Manhattan Theatre Membership de “We Had a World” de Joshua Harmon.
(Jeremy Daniel)
‘Teníamos un mundo’ de Joshua Harmon
Los conflictos familiares están al frente y al centro del drama private de Harmon, un retrato de un artista cuando period un nieto joven. La abuela en el centro de atención, una neoyorquina incondicional llamada Renee, expone a Joshua a las alegrías de la gran ciudad cuando la visita desde los suburbios. Es como una tía Mame, sólo que su versión de extravagancia son los helados de mantequilla de maní en Serendipity 3, un curso en el Museo Metropolitano de Arte y entradas para ver a Diana Rigg en Broadway en «Medea».
Joshua está en el cielo, pero se ve atrapado en una larga disputa entre su madre, Ellen, y su abuela, cuyo problema con la bebida ha resurgido. Un juego de memoria de silenciosa complejidad, “We Had a World” es una meditación conmovedora sobre el desafío de apreciar a nuestros seres queridos imperfectos pero irreemplazables en el tiempo disponible.
Autor de “Malos judíos”, “Otro significativo” y “Oración por la República Francesa”, Harmon ha escrito una obra que puede parecer inusualmente modesta en su alcance. Pero el drama, que tuvo su estreno mundial fuera de Broadway en el NY Metropolis Heart Stage II del Manhattan Theatre Membership, es extremadamente versatile en su construcción. Y el meollo emocional de la historia se relaciona con preocupaciones más amplias, como cómo llorar adecuadamente un mundo que está desapareciendo rápidamente debido a las depredaciones del cambio climático, una causa apasionante para Joshua, cuyo amor elegíaco por su abuela ha aumentado su sentido de la naturaleza transitoria de la existencia.
John McCrea como el Príncipe George; Mihir Kumar como Dev Chatterjee en “Prince Faggot”.
(Marc J. Franklin)
‘Príncipe Maricón’ de Jordan Tannahill
Un audaz cuento de hadas sobre un príncipe que resulta ser el primer heredero al trono abiertamente homosexual en la historia británica, la obra llevó a un elenco de artistas queer y trans en Nueva York a un vertiginoso viaje metateatral, invitándolos a imaginar una versión ficticia del Príncipe George de Gales en 2032 como un jovencito sexualmente liberado. Tannahill no se anda con rodeos; tampoco lo hizo la emocionante producción, que palpitaba con la energía febril de un membership nocturno bajo la dirección del destacado dramaturgo Shayok Misha Chowdhury (“Public Obscenities”, “Rheology”). Un conjunto brillante, que incluía a la eminencia del centro de la ciudad David Greenspan, inyectó a la familia actual una arrogancia radical.
Aunque está meticulosamente elaborada, “Prince Faggot” no es para personas débiles de corazón. Pero hay recompensas inusuales para una empresa intrépida dispuesta a poner a prueba los límites de la moralidad política y artística.
Oghenero Gbaje, izquierda, y Essence Lotus en “Bowl EP” de Nazareth Hassan en el Winery Theatre de Manhattan.
(Carol Rosegg)
‘Observe’ y ‘Bowl EP’ de Nazareth Hassan
A veces surge un talento que vuelve obsoletos los viejos paradigmas. Hassan es todo un talento. Al leer estas dos nuevas obras este año, me sorprendió el vigor estilístico y la fluidez estructural. Para Hassan, la dramaturgia es una nueva forma de jazz.
Formé parte del jurado del Pulitzer que eligió “Bowl EP” como uno de los finalistas para el premio de drama de este año (ganado por “Liberation”). La obra, que se estrenó fuera de Broadway en el Winery Theatre, es una historia de amor libre, ambientada en una pista de patinaje en medio de un páramo urbano. Dos raperos, uno trans y otro bisexual, intercambian letras en su frenética búsqueda de un sonido esquivo y auténtico que pueda liberarlos de la vergüenza de un mundo que ofrece tan poco espacio a sus identidades.
Ronald Peet en “Observe” de Nazareth Hassan en Playwrights Horizons.
(Alejandro Mejía, Bergamota)
“Observe”, que se estrenó en Playwrights Horizons, es una obra más épica que sigue de cerca la perversa dinámica de poder de una compañía de teatro de vanguardia. Decidida a ampliar las posibilidades de la actuación contemporánea, la compañía supera los límites del proceso aceptable en una «comedia psicópata» fuera de lugar. El arte no es fácil, como dijo Sondheim, pero ¿debe ser tan parecido a un culto y tan autocastigador?
Todavía no he visto producciones de ninguna de estas obras y me pregunto quién en Los Ángeles tendría la temeridad de abordarlas. Pero Hassan, un dramaturgo insurgente con una voz lírica como ninguna otra, está revolucionando esta forma de arte de maneras que no pueden ignorarse.
Will Brill, de izquierda a derecha, Tamara Sevunts, Andrea Martin, Raffi Barsoumian y Nael Nacer en “Meet the Cartozians” de Talene Monahon.
(Julieta Cervantes)
‘Conoce a los cartozianos’ de Talene Monahon
Otro finalista del Premio Pulitzer de teatro de este año, “Meet the Cartozians”, una obra de teatro en dos actos con 100 años de diferencia, analiza la política racial de nuestro sistema de inmigración a través del ejemplo armenio-estadounidense. La primera mitad, que tiene lugar entre 1923 y 1924, gira en torno a Tatos Cartozian, un próspero comerciante de alfombras que vive con su familia en Portland, Oregón. Después de que le revocan la ciudadanía, lo reclutan para formar parte de un desafío authorized que sostiene que los armenios son “personas blancas libres” y, por lo tanto, elegibles para la naturalización dada la ley existente. Tatos y su familia reciben entrenamiento para interpretar la “identidad blanca” en una comedia que sería escandalosamente hilarante si no estuviera inspirada en acontecimientos históricos.
El segundo acto tiene lugar en 2024 en Glendale, donde los miembros de la comunidad se han reunido para ser parte de la aceptación pública de su herencia por parte de una estrella de actuality reveals. La luminaria en cuestión no es una Kardashian, pero bien podría serlo. Lo que comienza como una obra de historia se transforma en una sátira aguda sobre el costo de la asimilación en una sociedad donde el dinero, el poder y los privilegios blancos siguen obstinadamente entrelazados.
Alana Raquel Bowers, de izquierda a derecha, Andy Lucien y Crystal Finn en la producción de 2026 de “Chilly Battle Choir Observe” de Ro Reddick.
(María Baranova)
‘Práctica del coro de la Guerra Fría’ de Ro Reddick
Esta obra que cambia de forma, repleta de música, se desarrolla en y alrededor de una discoteca en Syracuse, Nueva York. Es el año 1987, la Guerra Fría está en pleno apogeo y la Reaganomics está dejando atrás a las comunidades más pobres. Meek, una niña negra de 10 años, está lidiando con sus temores de un Armagedón nuclear a medida que preocupaciones domésticas más prosaicas se aceleran. Su tío, un poderoso hombre de derecha en Washington, una figura de Clarence Thomas, reaviva viejas disputas cuando trae a su enfermiza esposa blanca para que la cuiden durante las vacaciones. Reddick carga su historia, que desdibuja el género, con intrigas extravagantes que involucran a espías soviéticos, un culto capitalista y un coro itinerante que también hace las veces de coro griego. La obra, que ganó el premio Susan Smith Blackburn este año, atrae en la página a pesar de parecer sobrecargada y curiosamente descentralizada. Pero fue útil ver la ágil producción de Knud Adams después de su transferencia al MCC Theatre: una introducción supreme a un dramaturgo sorprendentemente unique en los albores de una carrera innovadora.
David Greenspan en “Supongo que conoces a David Greenspan” de Mona Pirnot.
(Ahron R. Foster)
‘Supongo que conoces a David Greenspan’ de Mona Pirnot
Esta obra excéntrica, una exposición particular person que el propio Greenspan presentó en Atlantic Theatre Firm, fue una de las obras más inesperadamente encantadoras que leí en todo el año. Inspirada en la sensibilidad de un escritor e intérprete tentadoramente idiosincrásico, la obra ofreció a Greenspan la oportunidad de protagonizar una obra al estilo de Greenspan que no fue su propia invención. Pirnot rinde homenaje a un extraño inconformista que se ha mantenido a una distancia segura de la corriente principal. Pero también está examinando la precaria situación económica de los artistas que de manera comparable siguen sus propios caminos alternativos en el teatro estadounidense. Sin miedo a estar demasiado metida en el béisbol, centra la atención en las realidades detrás del escenario de una escena cultural en peligro de extinción que, solo por la evidencia de esta obra, es demasiado maravillosa para abandonarla.
Laurie Metcalf y Micah Inventory en “Little Bear Bridge Street” de Samuel D. Hunter.
(Julieta Cervantes)
‘Little Bear Ridge Street’ de Samuel D. Hunter
Después de ver “Little Bear Ridge Street” en Broadway en otoño, inmediatamente solicité una copia del guión, porque quería pasar más tiempo con los inquietantes personajes sin resolver. Los vacíos en la historia son tan convincentes como los detalles personales.
Ethan (interpretado por un excelente Micah Inventory), un hombre homosexual que huye de su pasado, ha llegado a la casa de su tía, Sarah (a la que dio vida en una actuación clásica de Laurie Metcalf), una enfermera cascarrabias y aislada en la zona rural de Idaho, para resolver los asuntos de su padre muerto. Hay demasiado trauma acquainted para hacer de esta una reunión sentimental. Pero obligados a mirar juntos hora tras hora de televisión escapista durante los días oscuros de COVID, no pueden evitar atender viejas heridas incluso cuando abren otras nuevas. Metcalf, al encontrar la emoción oculta en la quemada vida inside de Sarah, realizó un tour de power sencillo. Como Ethan, Inventory period tan perversamente alienante como conmovedoramente alienante. Dudo que esta producción, impecablemente dirigida por Joe Mantello, pueda ser igualada. Pero estas dos figuras, creadas por uno de nuestros escritores más observadores, merecen una nueva interpretación. El drama de Hunter, nombrado mejor obra este año por el Círculo de Críticos de Drama de Nueva York, marca una importante incorporación al voluminoso conjunto de obras del dramaturgo, que incluye “La ballena”, “Grangeville” y (llegando a los indispensables Máquina rebelde en septiembre) “Un caso a favor de la existencia de Dios”.
